Rhythmus, Ritual, Ökologie
Die Musik von Susie Ibarra

Thomas May


Für Susie Ibarra ist Rhythmus mehr als Pulsschlag oder Metrum. Er kann auch ökologischer Natur sein und zum Verständnis der Beziehungen zwischen Körpern, Landschaften, Erinnerungen und Klängen beitragen. Die als Tochter philippinischer Eltern in Kalifornien geborene Komponistin, Perkussionistin und Klangkünstlerin arbeitet mit Komposition und Performance, Klangkartierung, Installation, Tonaufzeichnung und Dokumentation. Außerdem engagiert sie sich seit Langem in der Umweltforschung und für traditionelle Musikkulturen.

Zahlreiche jüngere Werke Ibarras sind von dem Dialog zwischen Umwelt und Musik geprägt. Ihr 2024 erschienenes Buch Rhythm in Nature. An Ecology of Rhythm basiert auf Studien zum Rhythmus im Vogelgesang, in Gletscherwasser, Ozeanen, Wüsten, Wäldern und bei Insekten. Das von den Berliner Festspielen für MaerzMusik in Auftrag gegebene Werk CHAN. Sonnets and Devotions in the Wilderness umfasst sechs zeitgenössische Kundimans, d.h. Liebeslieder, die an Landschaften gerichtet sind, von deutschen Wäldern bis zum Tsongmo-See im Himalaya und dem Fluss Pasig auf Luzon. Die Arbeit Water Rhythms. Listening to Climate Change, die Ibarra gemeinsam mit der Glaziologin Michele Koppes entwickelt hat, stützt sich auf Tonaufnahmen aus fünf verschiedenen Wassersystemen auf der ganzen Welt. Ibarras kompositorischem Verfahren liegen bei all diesen Projekten Beobachtungen der Umwelt durch Zuhören, Field Recording, rhythmische Analyse und Reaktionen auf besondere Örtlichkeiten zugrunde.

Mit dem heutigen Konzert gibt Ibarra ihr Debüt im Pierre Boulez Saal – für sie auch ein besonderes persönliches Ereignis, da sie mittlerweile in Berlin lebt. Außerdem markiert es den ersten Auftritt des Talking Gong Trio in Deutschland und die deutsche Erstaufführung von Sky Islands. Im Jahr 2025 erhielt Ibarra für Sky Islands den Pulitzer-Preis für Musik, der damit „ein Werk über Ökosysteme und Biodiversität“ würdigte, „das den Begriff der kompositorischen Stimme in Frage stellt, indem es das profunde musikalische Können und die improvisatorischen Fähigkeiten einer Solistin als kreatives Werkzeug mit einbezieht.“

Vögel, Gongs und musikalische Traditionen

Die Flötistin Claire Chase zählt zu Ibarras wichtigsten Wegbegleitern. Chase, Ibarra und der Pianist Alex Peh bilden zusammen das Talking Gong Trio, dessen enge musikalische Verbundenheit der Ausgangspunkt für Sky Islands war. Ibarra hat außerdem solistische Werke für Chase komponiert, so dass deren unverwechselbare Klangwelt und improvisatorische Fantasie im gesamten Programm immer wieder durchscheinen.

Ein wichtiger Berührungspunkt zwischen Ibarras Beschäftigung mit der Umwelt und ihren musikalischen Interessen sind Vogelstimmen. „Ich habe das Gefühl, dass Vögel zu den frühesten Trommlern auf dieser Welt zählen“, erklärt sie. „Ich glaube, ihre Lieder und Rhythmen singen und spielen wir schon sehr lange.“ Vogelstimmen tauchen in ihrer Musik nicht unbedingt wortwörtlich auf: sie steuern z.B. einen Rhythmus oder musikalischen Gedanken bei oder regen zu einem freieren Umgang mit Bewegung und Ausdruck an. Auch Berlin lieferte Ibarra eine besondere Inspiration: Sie ist fasziniert von den Nachtigallen, die man in der Stadt hören kann und deren Erlernen und Üben von Liedern, das sich über lange Zeiträume erstreckt, sie an die Arbeit von Musiker:innen erinnern.

Das Programm beginnt mit zwei kurzen Beispielen für das Interesse der Komponistin an Vogelstimmen. Das ursprünglich für Chase komponierte Stück Sunbird ist von dem violetten philippinischen Nektarvogel inspiriert. Ibarra übersetzt dessen Farben und Gesänge in eine zwischen Piccolo-, Quer- und Bassflöte wechselnde Flötensprache, in deren Textur perkussive Atemgeräusche und Vokalisationen eingewoben sind. Das Stück Kolubrí für Soloschlagzeug überträgt das sanfte Flattern des Kolibris in die tieferen Frequenzen von Trommeln und Becken.

Zwischen diesen beiden von Vögeln inspirierten Werken stellt Paniniwala, Belief Alex Peh am Klavier in den Mittelpunkt. Ibarra hat es als eine ihrer Kompositionen bezeichnet, die „stark von der Ästhetik der traditionellen philippinischen Gongmusik beeinflusst sind“ und zeigt, wie dieser Einfluss über die Gonginstrumente selbst hinausreicht.

Pulsation entstand für das Projekt 50 for the Future des Kronos Quartet – ein frei verfügbares Repertoire von 50 neuen Werken für junge und aufstrebende Streichquartette – und verbindet einen kontinuierlichen Puls mit wechselnden rhythmischen Verläufen. Einige der verwendeten Klangmuster sind an die Signalsysteme der philippinischen Kulintang-Tradition angelehnt. Durch die Überlagerung verschiedener Rhythmen wird das Gefühl der Hörenden dafür, wo ein Muster beginnt oder endet, verschoben. Die Musiker:innen können außerdem einzelne Abschnitte neu anordnen und innerhalb bestimmter rhythmischer Zyklen improvisieren.

Von Talking Gong bis Sky Islands

Den Höhepunkt der ersten Konzerthälfte bildet Talking Gong, das Werk, nach dem das Trio benannt ist. Ibarra hat das Ensemble als „magische Gruppe“ mit „wunderbarer Chemie“ bezeichnet und betrachtet Talking Gong als Komponistinnen- und Interpretenensemble, das sich beständig weiterentwickelt und dessen musikalisches Vokabular durch die unterschiedlichsten Erfahrungen und Kooperationen stetig wächst.

Diese kürzeren Werke versammeln nach und nach die musikalischen Kräfte, die sich nach der Pause vereinen: An die Stelle von Einzelstimmen treten Quartette und Trios, bis Talking Gong für Sky Islands dann zu einem Ensemble mit acht Mitwirkenden erweitert wird. Ibarra beschreibt es so: „Sky Islands ist wirklich ein Stück für Talking Gong, aber in erweiterter Form.“

Für dieses Werk, das 2024 in der Asia Society in New York uraufgeführt wurde, holte Ibarra den Perkussionisten Levy Lorenzo und ein Streichquartett hinzu und schuf damit eine Formation, die sie heute als „akustisches Doppelquartett“ bezeichnet. Sky Islands bewahrt eine klar umrissene Identität und lässt den Ausführenden gleichzeitig Raum, ihre eigene Interpretation und musikalische Persönlichkeit einzubringen. In Berlin sind Chase, Peh, Lorenzo und Ibarra zusammen mit dem Exira Quartet zu hören, das im vergangenen Jahr von Studierenden der Barenboim-Said Akademie gegründet wurde. Für Ibarra ist es besonders spannend zu beobachten, wie Musiker:innen mit unterschiedlichem Hintergrund die Improvisationsräume des Werkes gestalten: Die dabei entstehenden Verbindungen können, wie sie sagt, „nur in dem jeweiligen Augenblick zustandekommen“.

Der Titel Sky Islands bezieht sich auf isoliert gelegene Hochlandregenwälder, wie sie etwa auf Luzon, einer Insel der Philippinen, zu finden sind. Diese „Himmelsinseln“ sind geografisch von den umliegenden Lebensräumen getrennt und gelten daher als besondere Orte der Biodiversität mit einem großen Reichtum an seltenen und endemischen Tier- und Pflanzenarten; durch ihre Isoliertheit kann sich die evolutionäre Differenzierung beschleunigen.

Nicht nur dieses Phänomen faszinierte Ibarra, sondern auch die unterschiedliche Wahrnehmung von Zeit und Rhythmus in solchen Umgebungen. Sie spricht von Orten, an denen „der Rhythmus anders ist, die damit verbundenen Rituale andere und sogar die Arten andere sind“. In letzter Zeit beschäftigte sie sich wieder verstärkt mit der Idee der „langsamen Zeit“. In hochgelegenen Wäldern, die weniger von der Nutzung durch den Menschen beeinflusst sind, empfinden wir, so sagt sie, das Gefüge von Wachstum, Energie, Frequenz und Rhythmus anders. Ökologische Strukturen können so unmittelbar in die musikalische Struktur einfließen, anstatt lediglich das Thema für das Werk zu liefern.        

Die Sprache der Schlaginstrumente i Sky Islands basiert auf miteinander verwobenen Rhythmen und Klängen aus der Bambus-, Gong- und Flötentradition der nördlichen Philippinen, unter anderem aus den Regionen Kalinga und Cordilleras auf Luzon. Neben Kulintang, Sarunay und Agung spielen Ibarra und Lorenzo Schlaginstrumente, Gongs und lebende Pflanzen, die mit Kontaktmikrofonen ausgestattet sind. Für dieses Konzert hat Ibarra das ursprüngliche umfangreichere Konzept des „schwebenden Gartens“ an den Pierre Boulez Saal angepasst und verzichtet auf die in einigen früheren Aufführungen verwendeten Klangskulpturen.

Den Nachbar:innen zuhören

Der Raum selbst wird zum kompositorischen Material. Zu Beginn spielen die beiden Perkussionist:innen in einiger Entfernung voneinander auf langen Bambusstäben, um „dem Publikum die Klänge des Bambus vorzustellen“, wie es in der Partitur heißt, bevor sie sich nach und nach aufeinander zu bewegen. Die ineinandergreifenden Rhythmen spiegeln eine Art des Zuhörens wider, die Ibarra mit der Spielweise traditioneller philippinischer Schlaginstrumente verbindet. Statt sich an einer festen metrischen „Eins“ zu orientieren, hören die Musikerinnen auf ihre jeweiligen Nachbarn, deren Rhythmus sie aufgreifen müssen, bis schließlich „mehrere Menschen zu einem Instrument werden“, wie Ibarra es ausdrückt.

Bewegung verändert diese Erfahrung zusätzlich. Ibarra fühlt sich auch deshalb zu Musik dieser Art hingezogen, weil die Veränderung der räumlichen Beziehung der Musizierenden zueinander auch den Klang verändert, der beim Publikum ankommt. Bei früheren Aufführungen waren die beiden Standorte der Schlaginstrumente spiegelbildlich angeordnet, wodurch statt Lautsprecher die Musiker:innen selbst eine räumliche Klangwirkung erzeugen. Für den Pierre Boulez Saal passen sie und Lorenzo dieses Raumkonzept an dessen ovale Architektur an.

Zusätzliche Räume entstehen durch Improvisation. Ausgedehnte Dialoge zwischen Kulintang und Sarunay sowie zwischen Schlagzeug und Agung rücken die Stimmen der Perkussionist:innen in den Vordergrund. An anderer Stelle improvisiert das Streichquartett zu Chases ausgeschmückter Flötenmelodie, während das Klavier laut Partitur „leise Klänge innerhalb der Streicher und Flöte“ beisteuert. Zum Ende hin improvisiert Chase auf der Bassflöte, bis Glockentöne und „leise Waldgeräusche“ hinzukommen.

Solche Freiheiten beeinträchtigen die Identität des Werkes keineswegs. Ibarra legt Wert auf die Feststellung, dass für das Publikum nach wie vor das Wesentliche von Sky Islands zu hören ist, auch wenn bestimmte Räume die Mitwirkenden dazu einladen, ihre individuellen künstlerischen Stärken einzubringen. Diese Balance zwischen kompositorischer Vorgabe und individueller Gestaltungsfreiheit lässt an die in der Begründung zum Pulitzer-Preis angesprochene Infragestellung konventioneller Auffassungen der „kompositorischen Stimme“ denken.

Rituale fließen auf ähnlich unmittelbare Weise in das Werk ein. Ibarra interessiert sich nicht nur für aufwändige Zeremonien, sondern ebenso für kleine, sich wiederholende Tätigkeiten, die den Alltag strukturieren. „Jeder hat Rituale“, betont sie. Auch Musik, die mit unterschiedlichen Tageszeiten und Uhrzeiten verbunden ist, fasziniert sie – eine andere Art und Weise, ein Ökosystem als eine Vielzahl von Aktivitäten zu hören, die sich nach ihrem jeweils eigenen Rhythmus entfalten. In Sky Islands übernehmen Wiederholung, Zuhören, Bewegung und die Abstimmung im Ensemble diese rituelle Funktion. Die abschließende Prozession verdeutlicht das: Die Musiker:innen bewegen sich jeweils mit einem kleinen Schlaginstrument in der Hand in einer Reihe durch den Raum.

Die ökologische Bedeutung ist unverkennbar, doch betrachtet Ibarra Musik nicht als Ersatz für wissenschaftliche Argumente. Ihre künstlerische Recherche verläuft häufig parallel zu ihrer kreativen Praxis: Field Recordings und andere Ergebnisse aus ihrer Erforschung der Umwelt finden manchmal unmittelbaren Eingang in Klanginstallationen, während sie Musik, die für Live-Interpret:innen bestimmt ist, eher indirekt beeinflussen – etwa in Form eines Rhythmus, einer Reaktion oder einer bestimmten Art und Weise, sich auf einen Ort einzulassen.

Ibarra, die eng mit Forschenden aus der Klimawissenschaft zusammenarbeitet, weist darauf hin, dass hochgelegene Nebelwälder mit Fortschreiten des Klimawandels mehr und mehr an Bedeutung gewinnen werden. Ihrer Meinung nach kann Kunst durch klangliche Mittel Erinnerung und Vorstellungskraft auf besondere Weise ansprechen. Denn auch Zuhörer:innen, die noch nie einen philippinischen Regenwald betreten haben, tragen höchstwahrscheinlich Erinnerungen an Bäume, Vögel oder Wasser in sich. Ibarra zufolge wirkt Musik sowohl individuell als auch kollektiv: Ein und derselbe Klang weckt wohl bei jeder Person im Publikum individuell andere Erinnerungen, während durch das gemeinsame Hören eine kollektive Erfahrung entsteht.

Die meisten Hörer:innen werden die entlegenen Ökosysteme, um die es in Sky Islands geht, niemals zu Gesicht bekommen. Musik kann für Ibarra jedoch „ein kleines Stück davon“ an einen anderen Ort bringen und weit entfernte Ökosysteme mit dem Leben hier verbinden. Dieses Wechselspiel zwischen individueller Wahrnehmung und kollektivem Zuhören ist in die gesamte Struktur von Sky Islands eingebettet. Arten entwickeln sich innerhalb eines bestimmten Lebensraums; Musizierende bringen ihre jeweils eigene Sprache in eine Komposition ein; ineinandergreifende Rhythmen setzen voraus, dass man auf Nachbar:innen hört. Der „schwebende Garten“ wird zu einer Umgebung, die durch wechselseitige Abhängigkeit hörbar wird: acht Musiker:innen, die sie selbst bleiben, während sie von Moment zu Moment lernen, zu einem einzigen Instrument zu werden.


Thomas May ist Autor, Kritiker, Pädagoge und Übersetzer. Seine Beiträge erschienen unter anderem in der New York Times, in Gramophone, Opera Now, Musical America und Strings. Er ist Redakteur für englischsprachige Texte beim Lucerne Festival sowie US-Korrespondent von The Strad und verfasst Texte für die Programmhefte des Los Angeles Master Chorale und des Ojai Festivals.